Pierre-Louis continue sa recherche autour du concept de présence au cinéma et dans la danse, en prenant comme point de départ les villes-décors, ces plateaux de cinéma qui ont servi de décors pour des films, partiellement ou complètement construits pour l’occasion. Il se demande à la fois comment la danse peut témoigner du cinéma et quels outils chorégraphiques permettent de s’approcher des présences qui habitent un lieu. Il fait le choix de regarder dans le hors-champ, proche des figurant·es et des murs en carton, là où les traces ne sont plus si vives et où l’imaginaire peut nous donner à voir un état présent inattendu.

Pierre-Louis est en résidence dramaturgique à la Bellone pendant deux semaines avec l'artiste chilien José Isla Hidalgo.

Pierre-Louis Kerbart (il/lui – France – 1997) est un artiste chorégraphe et performeur résidant à Bruxelles en Belgique. Diplômé en arts et chorégraphies de l’ISAC - ARBA-ESA à Bruxelles, il a également étudié l'écologie politique et l'anthropologie à l’IEP de Rennes et à l’Université Catholique de Temuco au Chili. Depuis 2022, Pierre-Louis a travaillé en tant qu'assistant de direction avec Amanda Piña, participant à des projets internationaux comme The School of Mountains and Water et Exotica. Il a également assisté des artistes émergents de la scène belge, Alice Giuliani et Camilla Strandhagen, Mary Szydlowska et Géraldine Haas. En tant que 1er assistant réalisateur, il a contribué à la production du court métrage VOISINES avec Yuna Sacher. Pour ses propres recherches performatives, Pierre-Louis était membre du G-In du Garage29 pour la saison 22/23. Il est aujourd’hui soutenu par une bourse d'expérimentation en danse de la Fédération Wallonie Bruxelles.

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En tant qu'artiste issu du sud global, ma technique de survie a été d'apprendre et m'adapter aux codes artistiques que j’ai perçu comme étant acceptés et soutenus par les institutions. Aujourd'hui, les paradigmes et les valeurs changent lentement, et il y a de la place pour de nouvelles perspectives et opportunités, mais il reste extrêmement crucial de continuer à déconstruire notre héritage artistique qui, pendant si longtemps, a établi des distinctions entre « high art » et « low art » — des distinctions qui, dans certains contextes, reflètent des préjugés classistes, racistes et coloniaux.

L'un des objectifs de mon travail a été de questionner les catégories des genres et des pratiques artistiques tout en explorant de nouvelles possibilités au sein de la danse contemporaine.

Une grande partie de mon travail consiste à concilier des éléments et des pratiques venant de mon passé et de mon présent afin de créer des ponts entre des personnes, des endroits, des pratiques appartenant à des mondes différents. Durant ma résidence à La Bellone, j’espère continuer à explorer et définir des concepts clés dans mon processus artistique qui a été pour moi une méthode de travail mais aussi une stratégie de survie.

Cette recherche est liée à la création de ma nouvelle pièce « La Noche de Aparición » que je co-crée avec Lulu Ramirez Muñoz, et qui mêle clown, danse, histoires de fantômes, esthétique des films d'horreur et folklore mexicain.

Désirée est née au Mexique en 1992. Elle a fait ses études en arts visuels à Rennes (France) en 2011, puis a déménagé en Belgique en 2018. Depuis lors, elle a travaillé comme interprète pour des créateur·rices renommés, développé son propre travail, et également encadré et enseigné dans plusieurs écoles et organisations académiques en Belgique. Son travail entretient une relation étroite avec la magie, la décolonisation, l'immigration et la guérison.

En 2022/2023, elle a créé sa première performance La Fiesta de Delfina, qui a été présentée au Mestizo Arts Festival (2022), à There is Nothing Wrong With People dans les studios Kaai (2023), à ON_OFF_SPACE à DeSingel (2023), au Love at First Sight Festival à Arenberg (2023) et à Próximamente au KVS (2023).

En 2025, elle créera son nouveau projet La Noche de Aparición avec Lulu Ramirez Muñoz.

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Il est l’heure de faire trace de cet itinéraire de pratiques inhibées et de grande félicité tissé sur la saison 23-24 entre La Bellone à Bruxelles et La Serre à Montréal.

Ce qui m’a d’abord mise en mouvement c’est la recherche de méthodologies et une curiosité piquée de demander à d’autres : comment fais-tu ? Ma trajectoire s’est ainsi faîte de lecture et d’écriture, mais aussi de rencontres et discussions privilégiées (écoute active et attentes suspendues) sur les façons dont on encadre nos pratiques. Comment, quels gestes, quels espaces, quels protocoles et quels rythmes ?

Pour faire trace de cette trajectoire, je voulais imaginer un jeu de cartes. Des cartes à lire, à utiliser et dont on s'accompagne pour développer et regarder nos pratiques s’avancer. Mais en m’approchant de la cartomancie, les cartes sont devenues les prismes par lesquels je regarde et mon miroir à penser. J’y ai trouvé l’inspiration de postures dramaturgiques et des méthodologies élastiques. J’y ai dévisagé l’image de face bien sûr, mais aussi arpenté le dos des cartes et l’espace qui joue entre elles. J’ai découvert l’usage d’une forme fragmentée, multiple, qui conserve l’opacité et adresse le contexte, tout en inspirant la conduite de nos devenirs.

Pour trace de ce voyage d’une saison entre dramaturgie et cartomancie, il y aura une collection de billets écrits, à mélanger battre et tirer, et, si possible, sans point final

Mélina Despretz-Kokines navigue entre de nombreuses pratiques. Elle a mené un parcours d’études en sciences humaines et théorie des arts vivants (CPGE au lycée Molière puis licence d’humanités et arts du spectacle), puis en licence d’arts plastique. Elle s’est également formée en pratique théâtrale (Cours Florent, Conservatoire Maurice Ravel) avec des points d’attentions dans les arts du contes, théâtre immersif, espace public et viewpoint. Elle pratique depuis son jeune âge le flamenco, et se forme à divers vocabulaires des arts du mouvements avec de nombreux stages et ateliers en danse contemporaine, hip hop, krump, classique et pratiques somatiques. Elle a notamment réalisé un Certificat d’Etudes Corporelles à Paris 3, et rejoint la Cellule Chorégraphique/labo de l’interprète en 2019 à l’école James Carlès. Elle co-organise également des rassemblements comme le Top Floor Festival centré autour des pratiques du mouvement, ou théâtral festif comme Le Bal du Loup.

Elle est créatrice de spectacle vivants transdisciplinaire, tissant la création de théâtre, danse et d’attention au dispositif. Elle a créé les spectacles Ce qu’il nous reste (2016), Le Loup des Steppes et le Théâtre Magique (2018), Incroyable ! Vous ne devinerez jamais ce que va faire cette fille à 2min32… (2022). Elle y explore des modalités narratives fragmentées, et une physicalité virtuose et sensitive.

Depuis 2021 elle officie en tant que DJ sous le nom de NEK comme conductrice viscérale et disruptive de dancefloor. Avec athlétisme sonique elle explore des tissages musicaux cinématiques, texturés, chaloupés et aventureux. On la retrouve régulièrement sur les web-radios locales et elle est hôte et résidente à LYL Radio avec son show NEST. Elle tend aujourd’hui à l’hybridation de ses pratiques d’artiste sonore, de dramaturgie et performance... pour le cabaret Pédiluve des Immortelles, les contes d’Outres-mondes et la poésie sonore d’Algo//rythmique.

Elle participe aux séminaires dramaturgie de la Bellone entre 2022 et 2023 et travaille comme dramaturge accompagnatrice de projets, mais aussi chercheuse, notamment autour de la pratique de la cartomancie.

https://soundcloud.com/nek-mdk

https://www.instagram.com/nek_mdk/

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Leaving Vegas se présente comme un docu-fiction, entre (en)quête spéculative et film performance, qui part à la recherche des interprètes de la scène de danse Scuola di Ballo al Sole1 (Uccellacci e uccellini, 1966, Pier Paolo Pasolini). Envisagé comme un spin-off de leur précédent projet Frsh(recherche d’un objet dans une poche), nadjim bigou-fathi & soto labor produiront les premiers matériaux filmiques en Décembre 2024, à l’occasion d’une résidence d’un mois à la Villa Medici (Rome, IT). Suite à quoi, la résidence d’écriture de La Bellone leur permettra d’entamer une phase d’expérimentation dramaturgique mêlant écriture et mise en scène, afin de réfléchir à la transmission « performative » des étapes de fabrication de leur docu-fiction.

nadjim bigou-fathi (1990, FR) est un designer, artiste visuel et performeur. Il s'intéresse à l’émergence des limites – des murs aux mots – et aux dynamiques normatives, territoriales ou autoritaires qui les sous-tendent. Par le biais de projets curatoriaux, sculpturaux ou performatifs, il étudie des situations d'attente et d'anticipation en interrogeant les relations de pouvoirs entre les participant·es.

soto labor (1993, FR) est un poète, artiste visuel et performeur. Fortement influencé par le hip-hop comme moyen d'autonomisation, il explore différentes formes de récit et de performance, tout en se penchant sur les conditions d’exercice du discours. Il produit des histoires courtes, fables, poèmes et paroles de rap comme autant d’outils critiques.

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Sous le brouillard épais d’une machine à fumée se cache un manoir en carton-pâte aux détails miniatures détaillés. À l’intérieur, des acteur·ices aux dents aiguisées jouent de manière « camp » et merveilleusement faux, sur le son strident d’un thérémine qui s’active dès que les nuages passent et obscurcissent la lune. Dans une grande course contre le temps nouvellement infini et leurs transformations monstrueuses en vampires (en lesbiennes ?), elles luttent de façon sinistre et parfois émouvante contre ce qui semble être leurs actions et leurs désirs « contre nature ». Et, alors que les cauchemars deviennent de plus en plus intenses, les soupçons de plus en plus évidents, la prise de conscience de ce qu’elles pourraient être en train de devenir, les poussent (à travers une énième couche épaisse de brouillard ridiculement dense qui envahit le plateau) à l’inévitable...Morsure

Louise Siffert se forme à la scénographie avant d'intégrer l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts à Paris. Elle est membre de DOC ! espace artistique autogéré à Paris. Les performances et films de Louise Siffert interrogent les communautés politiques en marge et leurs archives. À travers la fabrication de costumes, d’accessoires, de bandes sonores, Louise Siffert crée et investit des décors visuels qui nous plongent dans un univers bricolé, immersif et grotesque rappelant l’esthétique « camp » et dissidente de l’artifice. Son dernier projet WE HAVE DECIDED NOT TO DIE, a été montré au festival Actoral, à la Ménagerie de Verre et au Centre Pompidou et au Belluard Bollwerk (Suisse).. Avec Lavender Nightmare (création 2026), elle entame une recherche autour de la représentation de la vampire lesbienne dans différents corpus d’œuvres filmiques et littéraires.

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Le texte est un manifeste intime, sur les violences carcérales, et, en filigrane, sur la mécanique systémique qui amène à une polarisation de ces expériences autour des personnes racisées. Dans la forme, c’est un récit choral, alternant l'expérience depuis mon endroit dans une prose autofictionnelle et la voix de mon frère, extraite de ses textes de rap, qu’il a écrits entre sa première incarcération et 2020. A l’ombre, mon frère s’essaie à dire la déflagration que peut être pour une famille l’incarcération d’un des siens, en s’appuyant sur les résonances thématiques et musicales de nos textes.

Le projet est celui d'une performance orale et sonore, mon texte A l'ombre, mon frère sera interprété par Marie Darah, mis en scène par Ophélie Mac.

La performance permettrait de rendre audibles des voix qui ne le sont pas, car structurellement réprimées, par le racisme systémique et la violence de classe, pour celles et ceux qui traversent ces expériences et pour rendre visible les processus d’apaisement, de résistance à travers la création artistique. Celle de mon frère avec le rap, la mienne avec ce texte.

Une performance orale et sonore rendrait également le texte et son propos abordables sans prérequis culturel/ littéraire mais sans perdre en puissance. On s'adresse ainsi à celleux qu’un accès limité aux ressources culturelles, laisse aux portes des lieux de création et de production artistiques.

La mise en scène que nous imaginons, pour l’instant, serait sobre, s’appuyant sur une ambiance sonore évocatrice, jouant sur les jeux d’ombres et de lumière, fidèle au texte, au plus près de l’expérience sensorielle, ne cherchant pas à sauver le public de l’angoisse de ce qui est énoncé.

Alexandra Castard - auteure

Psychiatre de formation, je tente de réparer par le langage, la mise en récit de trajectoires singulières, l’écoute des voix rendues inaudibles. La littérature, par la lecture puis l’écriture, est depuis longtemps un lieu de respiration, de restauration, de retrouvailles avec le plus intime, donc le plus largement partagé. Aussi, la mise en narration de soi infuse tous les espaces que j’investis, les espaces de création comme les espaces de soins. Après une thèse sur les représentations des transidentités dans le champ médical et plusieurs travaux en psychiatrie transculturelle, la question des savoirs situés, de l’importance du décentrage des points de vue hégémoniques, de l’attention prêtée aux voix qui émergent depuis les marges est au centre de mon travail, artistique et thérapeutique.

A l’ombre, mon frère est mon premier texte.

Marie Darah - interprète

Poète fluide et respectant le vivant, Marie Darah écrit en narguant frontières et genres. En travaillant en collaboration étroite avec les secteurs associatifs, social et éducationnel. Afin de repenser le monde en déconstruisant ses systèmes d'oppressions.

Acteurice, auteurice, slameureuse, atelieriste socioculturel·le, champion·ne de Belgique et d’Europe de Slam en 2021. En 2023, nommé·e champion·ne international à Chypre et lauréat·e un African Artistic Award en littérature.

Iel a édité chez Maelström Sous le Noir du Tarmac et Depuis que tu n’as pas tiré, récit entre conte et slam, donné en corps, musique et voix avec Cloé du Trèfle au Rideau de BXL. Son dernier recueil Meutes est sorti aux éditions des Midis Poésie.

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Metamorphosis (working title) est une performance de danse contemporaine solo en cours de création, dans laquelle l'artiste explore les étapes de transformation du corps à travers les émotions et le mouvement. Imane Elkabli s'inspire de son héritage, notamment de la danse traditionnelle Aita, et puise également de l'inspiration dans le mouvement et l'esprit Shikha. Ce travail en cours met en lumière la façon dont la danse peut servir de vecteur pour exprimer la transformation personnelle et collective.

Ce projet est accompagné par la dramaturge Nedjma ben Hadj.

Imane Elkabli est lauréate du Concours Taklif organisé pour la première fois lors du Festival On Marche, Marrakech, 2023.

Imane Elkabli est une danseuse et performeuse contemporaine marocaine qui a fait la transition des études de philosophie au monde de la danse. Sa pratique artistique explore les émotions et la découverte de soi à travers le corps et le mouvement, intégrant souvent divers matériaux pour approfondir sa vision artistique.

Depuis 2022, elle fait également partie de l'organisation du Festival du Court Métrage de Marrakech, où elle occupe le poste de Coordinatrice Générale du Festival.

Metamorphosis (working title) est une performance de danse contemporaine solo en cours de création, dans laquelle l'artiste explore les étapes de transformation du corps à travers les émotions et le mouvement. Imane Elkabli s'inspire de son héritage, notamment de la danse traditionnelle Aita, et puise également de l'inspiration dans le mouvement et l'esprit Shikha. Ce travail en cours met en lumière la façon dont la danse peut servir de vecteur pour exprimer la transformation personnelle et collective.

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Depuis 2022, elle fait également partie de l'organisation du Festival du Court Métrage de Marrakech, où elle occupe le poste de Coordinatrice Générale du Festival.

Metamorphosis (working title) est une performance de danse contemporaine solo en cours de création, dans laquelle l'artiste explore les étapes de transformation du corps à travers les émotions et le mouvement. Imane Elkabli s'inspire de son héritage, notamment de la danse traditionnelle Aita, et puise également de l'inspiration dans le mouvement et l'esprit Shikha. Ce travail en cours met en lumière la façon dont la danse peut servir de vecteur pour exprimer la transformation personnelle et collective.

Ce projet est accompagné par la dramaturge Nedjma ben Hadj.

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Imane Elkabli est une danseuse et performeuse contemporaine marocaine qui a fait la transition des études de philosophie au monde de la danse. Sa pratique artistique explore les émotions et la découverte de soi à travers le corps et le mouvement, intégrant souvent divers matériaux pour approfondir sa vision artistique.

Depuis 2022, elle fait également partie de l'organisation du Festival du Court Métrage de Marrakech, où elle occupe le poste de Coordinatrice Générale du Festival.

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Frère Jacqueline ira-t-il au Paradis ? est une fiction théâtrale aux accents de liturgie cabaretique.

Faustine Boissery et Joey Elmaleh travaillent à la réécriture de mythes chrétiens qui, maquillés et travestis, donnent à voir une histoire alternative de la grâce. Qu'elle appartienne aux persécutées !

À travers les figures légendaires, fantasmées et actualisées de Frère Jacqueline, proche de François d'Assise, et de la Vierge de Toutes les Douleurs, les deux performeuses jetteront un éclairage caustique, pop et singulier sur des questions de genre, de désir, de foi, de réprobation et de militance.

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