A partir de los versos de la canción "Al meu país la pluja" del cantautor valenciano Raimon desarrollamos un programa sobre las catástrofes naturales como destrucción material y abatimiento personal. Con la última DANA como telón de fondo surgirán temas como el debate entre la verdad y la mentira en medios de comunicación y entre los políticos, el hartazgo popular ante las instituciones y parte de su inoperancia, las formas de solidaridad entre el pueblo y sus gentes así como la experiencia ante los dramas y su surgimiento siempre esperanzador con ayuda del prójimo. Unas músicas que nos ayudarán como mecanismo de memoria, recuerdo y olvido ante unos traumas que marcan vidas y generaciones.

Aprovechando que nuestra emisión coincidió con el decimocuarto aniversario de la proclamación por parte de la UNESCO del flamenco como patrimonio cultural e inmaterial de la humanidad desarrollamos un episodio sobre el rito, lo celebratorio, la felicidad, la alegría y lo festivo en el flamenco. El flamenco como un arte popular moderno aglutinador de diferentes formas estéticas y discursivas nos sirve como idónea plataforma para profundizar en cuestiones que atañen a otro tipo de ocupaciones vitales y emocionales más allá de gremios, comunidades o grupos concretos. Desde él se pueden entablar muy diversas conexiones con otras formas de habitar el mundo, lo que lo hace siempre un género en diálogo con todo lo que le rodea o le atraviesa. El programa feliz flamenco es un pequeño ejemplo de cómo la palabra flamenco y más su hacer sigue ampliándose y profundizandose a cada paso en el tiempo.

Un episodio desarrollado a partir de la invitación que me realizó la artista y comisaria de arte Pilar Soler Montes para participar en el "Programa de Artes Visuales 2024" que organiza la Comunidad de Madrid. Se trata pues de un programa de formación continua artística que se articula a través de conferencias y talleres con el objetivo de completar aquellos aspectos que no se incluyen específicamente en los programas académicos vinculados a las artes y la cultura visual. Bajo el título “Estudios de carne y gesto” - en el cual se enmarca dicho evento - desarrollé la conferencia titulada "Las manos del niño: primera transmutación". Una reflexión autobiográfica a partir de ritos familiares, experiencias colectivas y pensamientos introspectivos en relación al flamenco y a las artes en general. La infancia, los cuidados, la maternidad y paternidad así como la educación son parte fundamental de un programa que será acompañado por músicas que sirvieron como bso de la parte más importante de mi formación más personal: el nacimiento y la infancia.

Con la lectura de "La filosofía del vino" del escritor húngaro Béla Hamvas transitamos por diferentes intereses en relación al vino, su significado cultural y metafísico. El vino como elemento del amor es un líquido embriagador que canaliza pasiones humanas y la música ha sido fiel reflejo de todo ello. Vino como sangre de Cristo, vino como beso líquido, vino como elixir de la alegría, vino como pecado. Un programa como ejemplo del vino como elemento crucial para entender al ser humano y sus formas de relación con el trabajo, la familia, la política, la sociedad y Dios.

Desde la ciudad de Nueva York desarrollamos un episodio a partir del poemario y la conferencia "Poeta en Nueva York"que el poeta granadino Federico García Lorca creó en los años 30 del siglo pasado. Un programa en el cual nos acompañarán músicas que fueron inspiración para la construcción de la banda sonora que realicé para la versión escénica que el director e iluminador Carlos Marquerie presentó este año en Madrid y la cual intentaba, más que musicalizar poemas del poeta, crear un espacio sonoro donde la lectura de estos fuera más fácil y comprensible. Desde ese contexto transitamos por diferentes músicas que remiten a la comunidad negra, a la guerra civil, a la muerte o a la máquina. Un viaje sonoro donde la palabra del poeta se convierte en cuerpo performativo, en marioneta viva, en ruido industrial.

Segunda entrega de un díptico edificado a partir de la idea de lo expansivo en la música. Nombres de mujeres que con su labor y ejemplo consiguieron establecer una atención y escucha ya no solo a sus propuestas artísticas sino a diferentes problemáticas en relación con lo racial, el género y las clases sociales en sus países. Un compendio de compositoras, cantantes, intérpretes y demás disciplinas que en su conjunto conducen a una cosmología la cual nos dan buen ejemplo de ello sobre la importancia cultural de la mujer en diferentes épocas y territorios.

Una primera entrega de un díptico dedicado a los músicos que han expandido músicas antes muy pocos conocidas y reconocidas en el panorama mundial. Perfiles muy diferentes unidos por la pulsión de ampliar horizontes y superar fronteras culturales demostrando, una vez más, cómo la música puede llegar a ser un elemento armonizador e integrador de formas y maneras diferentes de vivir. Labores como las de Bob Marley, Fela Kuti, Cheb Khaled o Gipsy Kings, entre otros, pertenecen a ese plantel de artistas que han logrado con su labor artística y mediática hacer de nuestras sociedades algo más abierto en escucha, tolerantes y respetuosas.

A partir de una cita perteneciente al libro "La tijera" del escritor Ernst Jünger edificamos el siguiente programa. Tomando como base su idea que la visión anticipada no abre una perspectiva global como si desgarrase un telón que la ocultara sino más bien es aquello que se se asemeja a una mirada furtiva por el ojo de la cerradura, construimos un episodio donde varios nombres nos sirven como argumento para desplazar la idea establecida y paradójicamente canónica de las vanguardias clásicas. Compositores como Gesualdo, Josquin des Prez o Bach serán contrapuestos juntos a otros representantes de la idea más clásica de vanguardia como Anton Webern, Stockhausen o Arnold Schönberg. Un término siempre en continua tensión donde las relaciones con lo tradicional y lo experimental siguen dando sus frutos.